Strangers in Paradise: El final está cerca

Lo mejor que se puede decir de este cómic es explicar la razón de por qué lo comentamos a principios de abril cuando fue editado en el ya lejano diciembre del año pasado, esto es, dentro de las novedades de Norma Editorial para el Expocómic madrileño, cuando ahora el ya inminente Ficomic barcelonés calienta motores. Y la razón no es otra que, como lectores, no queremos que se acabe, y vamos postergando la experiencia final en la medida de lo posible.



Ya se anunció hace tiempo que Strangers in Paradise, iniciada en 1993 y convertida pronto en uno de los slice of life de más éxito del panorama editorial norteamericano, y obra cumbre de su creador Terry Moore, llegaba por fin a su conclusión. Por tanto, ya se conoce la obra como un todo, y sabemos que el séptimo volumen español, a la venta dentro de unos días, será el último.

Por tanto, pronto conoceremos adónde han llegado las andanzas de Katchoo, Francine y David, tres de los personajes más memorables de la historieta reciente; memorables por su verosimilitud, por su cercanía al lector, porque al leer sus desventuras de ficción parece que los conocemos de verdad, y que al conocerlos nos conocemos un poco mejor a nosotros mismos.



En este sexto volumen, Moore sigue entrecruzando los caminos de estos tres personajes y el extenso plantel de secundarios de las entregas anteriores, explicando, en las primeras páginas, el origen del personaje de David, revelando su nombre auténtico y la (tortuosa) razón del cambio.

Otros de los ejes argumentales de la narración son el paso de los protagonistas por Las Vegas, que acaba en boda, así como el relato del éxito de Katchoo como pintora, al conseguir exponer su obra en una célebre galería de arte ante el aplauso de los visitantes y el beneplácito de (casi) todos los críticos.



Al mismo tiempo, el autor sigue mezclando con gran atrevimiento estilos varios, al recurrir para narrar algunos pasajes a la narrativa, como si de páginas arrancadas de una novela negra se tratase, así como a la inclusión de poemas y canciones que ayudan a entender la narración, o al menos a enriquecer la sensorialidad que desprenden sus páginas. Además, se permite un divertido homenaje a una de sus (y nuestras) obras favoritas, Calvin & Hobbes de Bill Watterson, a la hora de relatar un episodio de la vida de Freddie Femur, impagable secundario de la colección.



Por lo demás, solo nos queda recomendar vivamente la lectura de este volumen, precedida claro está de los cinco anteriores, de cara a disfrutar y sufrir con el inminente tomo séptimo: disfrutar del placer de su lectura, y sufrir porque ya no habrá más Strangers in Paradise.



Título: Strangers in Paradise (vol. 6)
Autor: Terry Moore (guión y dibujo)
Editorial: Norma Editorial
Fecha de edición: diciembre de 2007
280 páginas (b/n) - 18 €

(+) Strangers in Paradise en Abandonad toda esperanza:
- Abandonad toda esperanza, salmo 26º: "El cómic menos extraño del mundo"
- Strangers in Paradise (vol. 3)
- Strangers in Paradise (vol. 4)
- Strangers in Paradise (vol. 5)

(++) Sobre Strangers in Paradise:
- Strangersinparadise.com
- Terry's Blog

Bodrios que hay que ver: Arma perfecta

Al igual que en ocasiones hemos tenido la fortuna de no haber sufrido el visionado de engendro alguno y nos vemos en la dificultad de cumplir con nuestra cita de los martes, en esta ocasión tenemos material abundante donde elegir: podría hablarles de Morirás en 3 días, thriller de terror archimanido, una especie de Scream o Sé lo que hicisteis el último verano a la austríaca (¿que cómo se hace algo "a la austríaca"? Pues haciéndolo en Austria, ¿o qué se pensaban?); también cabría la posibilidad de advertirles sobre el truño que es The Thirst, ridícula película de vampiros moderniquis que intenta remedar la cult movie de los 80 Los viajeros de la noche y coloca por comparación a mediocridades como La reina de los condenados a la altura de los filmes vampíricos de Murnau, Browning, Fisher o Coppola; por no mencionar el aburrimiento de la inédita Crazy Eights, algo así como un Session 9 de saldo, y que intenta reciclar a Traci Lords (sí, sí, la misma Traci Lords que hizo historia del cine X al filmar casi toda su filmografía siendo menor de edad y con la documentación falsificada) en actriz seria, acompañada de un plantel de futuras estrellas que nunca llegaron a serlo como Dina Meyer o Gabrielle Anwar.



Pero dado que estas películas, además de tópicas y soporíferas en el mejor de los casos (y abominables en el peor), ni siquiera son divertidas, preferimos recurrir a la mejor peor época de la historia del cine: los últimos años 80 y primeros 90, y a una de las muchas películas que definieron el género de las action movies de serie B y Z por aquel entonces: Arma perfecta.

Supongo que los más veteranos del lugar recordarán que si Arnold Schwarzenegger y Sylvester Stallone eran los reyes del cotarro, pronto saltaron a la palestra Steven Seagal y Jean-Claude Van Damme como su reflejo en la serie B y eternos aspirantes a saltar a primera división, sustituyendo a los anteriores cuando se pasaran al cine de autor (en el caso del hoy gobernador de California, con obras maestras como Los gemelos golpean dos veces o Junior; en el segundo, en cintas revolucionarias del séptimo arte como ¡Alto... o mi madre dispara! junto a la abuela siciliana de Las chicas de oro).



Pero todavía se podía caer más bajo que Van-Damme o Seagal (y eso que este último caso era francamente difícil de superar), y por aquella época surgieron un gran número de estrellas de productos rodados directamente para ser explotados (lástima que no los volasen con explosivos de verdad) en vídeo, aunque a veces llegasen a estrenarse en salas cinematográficas (imagino que la gran mayoría en verano, para hacer rodaje al equipo de proyección y que no se deteriorase por el desuso). Es el caso de actores tan relevantes como Dolph Lundgren (que llegó a pelearse con Stallone y Van-Damme en Rocky IV y Soldado universal respectivamente), Michael Dudikoff (imprescindible la saga de El guerrero americano), Lorenzo Lamas (reciclado de galán joven de Falcon Crest a motero guaperas melenudo de rebajas) o Michael Paré (quien no haya visto Marine: Entrenado para matar no sabe lo que se pierde), así como de aspirantes que nunca llegaron a cuajar, caso de Brian Bosworth (Frío como el acero) o esa medianía experta en la disciplina del kenpo llamada Jeff Speakman.



Speakman (resulta curioso que un hombre tan parco en palabras se apellide "El hombre que habla", pero no nos vayamos por las ramas) protagonizó en 1991 esta The Perfect Weapon, cuyo objetivo era un claro intento por convertirlo en una nueva y supuestamente rentable estrella del cine de acción. Anteriormente solo había protagonizado un film -Side Roads- y había intervenido brevemente en Slaughterhouse Rock y en Lionheart, un film de Van Damme. Y fue precisamente el productor de una de las mejores películas -dicho esto sin coña alguna- del actor belga, Libertad para morir, y director de la mítica Kickboxer, quien tomó las riendas de la dirección de Arma perfecta. El susodicho se llamaba Mark DiSalle, y después de esta su segundo film no ha vuelto a dirigir, imaginamos que porque estará bajo orden de busca y captura por la división legal de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas.



Cuando les hablé de otra insigne película de acción de la época, El ojo del tigre, mencioné que aquella era como un episodio de El equipo A; pues esta Arma perfecta todavía se parece más a una entrega de los fugitivos del gobierno de la furgoneta negra y roja: vean si no la escena del anticuario chino (o japonés, o coreano, que no me quedó muy claro) que posee una especie de tienda de Todo a 1 Euro de lujo, intimidado por los hombres de la mafia local que le presionan para que venda droga en su negocio, y ante su negativa acaban por romperle algunos jarrones.



Tal y como se nos cuenta en algunos flashbacks, el protagonista del film, Jeff (debieron ponerle el mismo nombre que al actor para que este no tuviese que hacer el esfuerzo de memorizarlo), tuvo una infancia difícil tras el fallecimiento de su madre. Su violencia interior acababa por explotar metiéndose en peleas, y su padre, de profesión... policía (lo han adivinado, cómo iba a ser ebanista o charcutero), se las veía y deseaba para meterlo en cintura. Sería precisamente el mejor amigo de su padre, el susodicho anticuario chino (o japonés, o coreano), quien lo lleva a una academia de kenpo y le presenta al maestro Lo, el cual le enseñará a canalizar dicha violencia, conocerse a sí mismo, entablar una relación armónica con la naturaleza y dar ostias como panes llegada la necesidad.

Y claro está, la oportunidad llega cuando el anticuario chino (o japonés, o coreano) es asesinado, y Jeff se convierte en el arma perfecta del título, repartiendo una somanta de palos a distintos mafiosos orientales del barrio, enfrentados entre sí, y a cuál más malote.



Como no podía ser de otra forma, en el film aparecen los habituales actores asiáticos de este tipo de producciones, del malogrado Mako (Sol naciente), que encarna al anticuario chino (o japonés, o coreano), a James Hong (el malvado de Golpe en la pequeña China, o maître del restaurante chino de un memorable episodio de Seinfeld), pasando por Cary-Hiroyuki Tagawa (también en Sol naciente, para variar) como guardaespaldas del anterior o el profesor Toru Tanaka (al que recordarán como el Subzero de Perseguido), aquí como el despiadado gorila asesino de escasas palabras y constitución de armario empotrado.



Por lo demás, nada más de relevancia que destacar de esta producción, un film rutinario hasta decir basta, idéntico a otras tropecientas cintas que poblaban las estanterías de los videoclubs de nuestra infancia y adolescencia, y que tan felices nos hicieron por aquel entonces. Así estamos como estamos.

Mayo: Novedades Norma

Como no podía ser de otra forma, las novedades que anuncia Norma Editorial para el mes de mayo suponen una auténtica avalancha de obras a destacar, así como que aunque oficialmente sean las del próximo mes estarán ya a la venta el próximo 17 de abril, coincidiendo con el Salón del Cómic de Barcelona.

Desde este vuestro blog queremos destacar algunas de estas novedades en concreto, algunas de la mano de autores indispensables como Guido Crepax o Alan Moore:



- Valentina (vol. 1)
Guido Crepax
280 pp. (b/n) - 20 €

- El muertero Zabaletta
A. Agrimbau & Ginevra
48 pp. (color) - 13 €

- Los Infiernos
Dufaux & Serpieri
64 pp. (color) - 16 €

- Los ojos del apocalipsis
Roberto Dal Pra' & Juan Giménez
64 pp. (color) - 15 €

- Río abajo
Rabaté
96 pp. (color) - 19,50 €

- El reductor de velocidad
Christophe Blain
80 pp. (color) - 19 €

- Lost Girls (vol. 1)
Alan Moore & Melinda Gebbie
104 pp. (color) - 20 €

- Artemis Fowl (La novela gráfica)
E. Colfer & A. Donkin & G. Rigano
112 pp. (color) - 9,95 €

- Indiana Jones Omnibus (vol.1)
AA.VV.
352 pp. (color) - 19,50 €

- Mouse Guard (vol. 1: Otoño 1152)
David Petersen
200 pp. (color) - 20 €

- Espiral (Cairo)
David López
200 pp. (b/n) - 13 €



A todo esto hay que añadir, entre otras muchas, las nuevas obras de Alfonso Azpiri, Luis Royo o Lewis Trondheim, el tomo quince de Los archivos de The Spirit de Will Eisner, el tercer volumen de Las aventuras de Max Fridman. ¡No pasarán! de Vittorio Giardino, Dinokid de David Ramírez, la recuperación del primer álbum de Percevan, los tomos segundo y cuarto de -respectivamente- Rising Stars y The Authority, nuevas entregas de Hellboy, Queen & Country, El Bruto o Courtney Crumrin, o la esperadísima conclusión de Strangers in Paradise de Terry Moore.



Para conocer todas estas novedades de primera mano, además de reediciones y las novedades editadas por Aleta, lo mejor es echarle un vistado al documento PDF de la editorial:

Norma Editorial: Novedades Mayo 2008

Libros de Sangre (XIV): Confesiones del sudario (de un pornógrafo)

"He visto el futuro del terror, y su nombre es Clive Barker."
- Stephen King



Aunque pudiera parecerlo por el título, Confesiones del sudario (de un pornógrafo) no es uno de los relatos de más alto contenido sexual de los Libros de sangre de Clive Barker, aunque por supuesto el sexo está como siempre presente.

Muy al contrario, esta narración es una reescritura por parte del escritor de Liverpool del relato de género negro, mezclado con el terror, a partir de la historia de Ronald Glass, un contable de la mafia, por así decirlo, dedicado aquí a funciones menos glamourosas que Meyer Lansky y otros hombres de números al servicio de la Cosa nostra.



El cuento de Barker, ambientado como otros muchos en la ciudad de Londres, presenta a Ronnie Glass como un hombre de treinta y dos años que vive una vida gris y apacible junto a su mujer Bernadette y sus dos hijas; la suya es una existencia tan feliz como gris y monótona, marcada por su catolicismo y el de los suyos y el de una renuncia casi total al sexo, más allá de uno o dos pecados anuales.

Por tanto, cuando es requerido por Michael Maguire, un empresario dedicado al tráfico ilegal de pornografía, Ronnie se encuentra en una disyuntiva, que se salda con amenazas de delatar a Maguire y los suyos. Pero estos toman la iniciativa y lo acusan precisamente a él de ser el culpable de que semejante material campe a sus anchas por las calles de la ciudad, lo que origina que su mujer acabe por abandonarle.



El intento de venganza por parte de Ronnie no se hace esperar, pero este acaba por ser torturado y asesinado por Maguire y sus hombres. Y lo que parecía el final de todo, como señala Barker, no es más que el principio: el alma (católica) de Ronnie consigue superar los límites de su cuerpo inerte y tomar posesión del sudario que lo envuelve en los depósitos de la morgue, dándole una forma humana muy similar a la que tenía en vida. La venganza, esta vez sí, no se hará esperar...

Lo que en manos de otro escritor sería la enésima variación del hombre asesinado que regresa de las garras de la muerte para vengarse, dando como resultado un relato de terror rutinario y sin garra, en manos de Barker se convierte en un espléndido cuento de miedo escrito con su particular estilo literario, así como por su particular visión de las debilidades humanas, que enriquecen el material de derribo del que parte.



"Confesiones del sudario (de un pornógrafo)", en Libros de Sangre (vol. 2)
Clive Barker
Madrid, La Factoría de Ideas, 2005, pp. 199-238.

RIP: Charlton Heston (1924-2008)

El séptimo arte sigue de luto, porque nos ha dejado uno de los más grandes: Charlton Heston, figura clave de las grandes superproducciones de Hollywood, falleció ayer sábado 5 a la edad de 84 años.



El actor, que padecía una enfermedad similar al alzheimer desde el 2002, debutó en 1941 con Peer Gynt, y desde entonces participó en algunas de las producciones más míticas de la historia del cine.

Sus papeles más emblemáticos pertenecen sin duda al género del kolossal o grandes superproducciones de inspiración histórica y/o bíblica: así pues, fue Moisés en Los diez mandamientos de Cecil B. DeMille, e interpretó al protagonista de Ben-Hur, de William Wyler, film que consiguió once estatuillas, incluyendo las de Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor Protagonista para Heston. Igualmente fue Rodrigo Díaz de Vivar en El Cid, de Anthony Mann, según el poema épico de la literatura medieval española.



Otros trabajos memorales del actor son los que realizó en El mayor espectáculo del mundo, también de DeMille, así como en Sed de mal de Orson Welles, Horizontes de grandeza de Wyler, 55 días en Pekín de Nicholas Ray, Mayor Dundee de Sam Peckinpah o la catastrofista Terremoto de Mark Robson. Tampoco desestimó participar en películas de corte fantástico, como la mítica El planeta de los simios de Franklyn J. Schaffner, así como El último hombre... vivo (según la novela de Richard Matheson Soy leyenda) o Soylent Green (Hasta que el destino nos alcance) de Richard Fleischer.



Ya en los años 80, Heston interpretó a Jason Colby, el patriarca de la familia protagonista de Los Colby (spin off de la popular Dinastía); y en los 90 siguió trabajando, en papeles secundarios, en películas y con directores como Mentiras arriesgadas de James Cameron, En la boca del miedo de John Carpenter, Hamlet de Kenneth Branagh u Otro domingo cualquiera de Oliver Stone, demostrando su estatus de espléndido actor y su vigencia como estrella de Hollywood. No obstante, desde que se le diagnosticaran su enfermedad se mantuvo apartado de la interpretación, aunque no fue olvidado ni se libró de la polémica: su aparición como presidente de la Asociación del Rifle en el documental de Michael Moore Bowling for Columbine levantó ampollas y despertó tanto admiración como animadversión hacia la figura de Heston.



El actor norteamericano Charlton Heston nació el 4 de octubre de 1924 en Evanston, Illinois, y falleció el sábado 5 de abril de 2008 en Beverly Hills, California. Tenía por tanto 84 años.

Descanse en paz.

Orgullo y respeto: El Spirit de Darwyn Cooke

Hay que reconocer la gran valentía que ha tenido Darwyn Cooke a la hora de resucitar a The Spirit con una nueva serie regular para DC Comics: tocar algo sagrado siempre resulta peligroso, y como bien saben los aficionados la obra de Will Eisner está considerada como una revolución para el noveno arte pareja a lo que William Shakespeare supuso para la dramaturgia o Miguel de Cervantes para el nacimiento de la novela moderna; además, The Spirit es su más popular creación: cuando el malogrado autor instaura el concepto de "novela gráfica" con la edición de Contrato con Dios a finales de los años 70, desde su nacimiento en las páginas de prensa de los 40 el justiciero enmascarado Spirit lleva ya décadas enfrentándose a los maleantes que llevaban de cabeza a la Policía de Central City.



La edición de Norma Editorial, a la que hay que agradecer en esta ocasión su esfuerzo por editar la obra a un precio bastante popular, arranca acertadamente con un número 0 que incluye el especial Batman / The Spirit. Sabido es que el personaje de Bob Kane se ha especializado en protagonizar crossovers con otros personajes, mundos y editoriales probablemente más que cualquier otro superhéroe del Universo DC: obviamente, se le ha visto en repetidas ocasiones en compañía de Superman (el World's Finest de Dave Gibbons y Steve Rude, o el Generaciones de John Byrne, por citar tan solo dos de entre infinidad de obras), pero también se le ha visto luchar primero y asociarse después a personajes tan variopintos como el Hulk de Marvel, el expeditivo Juez Dredd, el misterioso Grendel y hasta Tarzán, el Rey de la Jungla, y ha luchado en repetidas ocasiones con personajes tan míticos como Jack el Destripador (Luz de gas) o el mítico Drácula (Lluvia roja y su secuela).

Esto, unido a las similitudes que unen a los respectivos justicieros de Gotham y Central City, hacía idóneo al Hombre Murciélago como compañero de peripecias del enmascarado Danny Colt creado por Eisner. Y si Darwyn Cooke se encargó de los lápices, fue el hoy de moda -gracias a su producción televisiva Héroes- Jeph Loeb el encargado de escribir el relato. Una elección a todas luces lógica, dada la capacidad de construir historias superheroicas a la antigua usanza (Spiderman: Azul o Daredevil: Amarillo son buenos ejemplos), así como que no sería la primera vez que se hiciese con las riendas del Señor de la Noche: El largo Halloween, Dark Victory, Silencio o las historias recopiladas en Haunted Knight, casi siempre en colaboración con el ilustrador Tim Sale, han supuesto hitos considerables en su producción.



Como no podía ser de otra forma, esta aventura de título "Una convención de criminales" comulga con los rasgos constitutivos habituales en este tipo de aventuras compartidas, incluyendo un equilibrio -siempre buscado aposta- entre las constantes de uno y otro personaje: así, la acción es llevada de Gotham y Central City a un territorio neutral, aquí la soleada Hawaii, donde se celebrea una convención de Policía en la que el inspector Dolan es homenajeado y donde el comisario Gordon dará una charla en honor del anterior. Y como no podía ser de otra forma, hasta allí viajarán no solo ambos agentes de la ley, sino una serie de villanos de ambas obras: por un lado Octopus, archienemigo de Spirit, que permanece como siempre en la sombra moviendo los hilos, así como el brutal Cosaco o la mujer fatal P'Gell; por otro, la plana mayor de los villanos de Arkham, con el Joker y Harley Quinn liderando el cotarro, y donde no faltan Catwoman, el Pingüino, el Acertijo, Hiedra Venenosa, Killer Croc o el Ventrílocuo y su muñeco Scarface.

Loeb ha sabido ser fiel a los preceptos tanto de los crossovers de este tipo como a la visión original de Kane y Eisner de sus personajes, y adaptándolos a los nuevos tiempos de la mano de un afortunado Cooke, construye una narración trepidante y divertida como pocas, que recurre con acierto a elementos del vodevil como la confusión de identidades que facilita un ocurrente concurso de disfraces, y que a pesar de cierto toque naif inevitablemente unido a un experimento de estas características, consigue interesar al lector de hoy. Para ello cuenta con el mencionado espléndido trabajo del dibujante, a medio camino entre el cartoon y lo retro, y que puede recordar igualmente a autores como Bruce Timm o el español Marcos Martín.



Después de esta inmejorable carta de presentación, en el segundo número de la edición española -esto es, The Spirit n.º 1-, Darwyn Cooke ya toma las riendas de la obra al completo, y como en la aplaudida DC: The New Frontier se encarga tanto del guión como del dibujo, con la inestimable ayuda, al igual que en Batman / The Spirit, de J. Bone al entintado y Dave Stewart al color.

Esta primera entrega incluye los números 1 y 2 de la colección norteamericana: en el primero, "Fría como el hielo", Spirit debe rescatar, con la ayuda del fiel Ebony, a Ginger Coffee, una reportera de televisión para la que lo primero es su carrera profesional, y que se ha visto secuestrada por hombres del malvado Amos Weinstock, alias el Píldora.



En el número 2 de la edición USA, una aventura titulada "La devorahombres", Cooke introduce a un personaje secundario capital en la creación de Eisner: P'Gell, una de las femmes fatales por antonomasia de la historieta pulp, y cuya relación con Spirit no dista mucho de la que Catwoman, un personaje al que Cooke ha dibujado durante mucho tiempo, mantiene con Batman.

En ambas entregas, Cooke demuestra el profundo respeto que siente por la obra de Eisner, y que se traduce en una cierta ingenuidad a la hora de retratar los conflictos: por tanto, renuncia a mostrar el lado oscuro del héroe, tan en boga desde que Watchmen y Batman: The Dark Knight revolucionaran el medio, y apuesta por unas aventuras libres de sexo y violencia explícita y que no buscan otra cosa que ofrecer una buena dosis de puro entretenimiento. De esta forma, la actualización viene aportada de mano del apartado gráfico gracias al estilo de Cooke, perfectamente reconocible, así como al deslumbrante trabajo de Dave Stewart al color.



Vaya pues desde aquí nuestra más sincera recomendación de seguir con atención esta obra de Darwyn Cooke. Y no ya solo por su (gran) interés intrínseco, sino porque de lo que no cabe duda es de que The Spirit está de moda: además de esta nueva serie, que se ha ganado el interés de los lectores y los parabienes de la crítica, tenemos a Frank Miller, admirador de la obra de Eisner, ultimando su debut como director de cine en solitario tras la experiencia de Sin City compartida con Robert Rodriguez, y el film resultante no será otro que la adaptación de The Spirit, con un reparto impresionante que incluye a Samuel L. Jackson como Octopus y a un trío de féminas de infarto: Scarlett Johansson, Eva Mendes y nuestra Paz Vega.

Lo dicho: The Spirit está de moda. O quizá nunca ha dejado de estarlo.


Título: Batman / The Spirit [n.º 0]
Autores: Jeph Loeb (guión) / Darwyn Cooke (dibujo)
Editorial: Norma Editorial
Fecha de edición: marzo de 2008
48 páginas (color) - 4,50 €

Título: The Spirit n.º 1
Autor: Darwyn Cooke (guión y dibujo)
Editorial: Norma Editorial
Fecha de edición: abril de 2008
48 páginas (color) - 4,50 €



(+) Will Eisner en Abandonad toda esperanza:
- Abandonad toda esperanza, salmo 114º: "Nueva York"
- Contrato con Dios
- Un domingo con Will Eisner

(++) Sobre Will Eisner y The Spirit:
- Willeisner.com
- Willwood Cemetery. The Spirit Database

El trailer del viernes: My Blueberry Nights

My Blueberry Nights es la primera película norteamericana de Wong Kar-wai, el realizador de Chungking Express, Happy Together, In the Mood for Love y 2046 entre otras aplaudidas cintas, y su devenir comercial está siendo errático y complicado: después de haberse estrenado en algunos países europeos (como es el caso de Francia, donde pudo verse en diciembre), en otros -incluido España- se va retrasando continuamente, y se anuncian nuevos remontajes por parte del realizador e impulsados por la productora, de cara al inminente estreno en Estados Unidos, y ante la duda por la comercialidad de la propuesta.

Todavía no sabemos qué versión podremos ver aquí, ni tampoco cuándo. Esperemos que en breve podamos ver a la cantante Norah Jones, acompañada de un plantel de auténtico lujo (Rachel Weisz, Jude Law, David Strathairn y Natalie Portman), en los seguro que bellos fotogramas filmados por Kar-wai.

De momento, podéis ver el trailer en la web española del film:


My Blueberry Nights

Los indispensables del Saló

De cara al Salón de Cómic Internacional de Barcelona, las editoriales especializadas aprovechan para sacar a la calle una auténtica avalancha de novedades, de entre las que resulta complicado elegir las más interesantes, y que provocan, utilizando el título de la obra de Peter Bagge, un auténtico "apocalipsis friki" en el bolsillo de los aficionados.



A continuación y como sugerencia personal, desde este vuestro blog hacemos una selección a priori de lo más destacado de este sinfín de obras, teniendo en cuenta la voluntad porque haya un poco de todo: español, europeo y norteamericano; mainstream e independiente; clásicos y contemporáneos; superhéroes y otros géneros...

Ahí va nuestro, desde luego incompleto y muy parcial, Top 10 de los indispensables del Saló, en estricto orden alfabético:



- Apocalipsis friki
Peter Bagge (La Cúpula)

- Camelot 3000
James W. Barr & Brian Bolland (Planeta)

- Dinero
Miguel Brieva (Mondadori)

- Guía para padres desesperadamente inexpertos
Manel Fontdevila (El Jueves)

- Jazz Maynard (vol. 2)
Raule & Roger Ibáñez (Diábolo)

- Lost Girls (vol. 1)
Alan Moore & Melinda Gebbie (Norma)

- Sky Masters of the Space Force (vol. 1)
Jack Kirby & Wally Wood (Glénat)

- Strangers in Paradise (vol. 7)
Terry Moore (Norma)

- Superman. Las historias de Alan Moore
Alan Moore et alii (Planeta)

- Valentina (vol. 1)
Guido Crepax (Norma)



A continuación, y con el fin de que cada uno pueda hacerse su propio listado, todas las novedades según Comix (2.0):

Listado Novedades Comix Volumen 2: Abril 2008

Grandezas y miserias del séptimo arte

El proceso de hacer una película conlleva en muchas ocasiones mil y una peripecias, y detrás de tpdo film hay una historia oculta por descubrir. Una buena manera de hacerlo es acercarse a los testimonios de los implicados en tal aventura, como es el caso del director Óscar Aibar tal y como relata en su estupenda novela Making of; otra es leer a los críticos entendidos en la materia, caso de Marc Eliot y su magnífica biografía de Cary Grant.

De ambos libros, que ya les recomendamos en su día, volvemos a hablar en la columna de Abandonad toda esperanza de hoy:

Sueños y pesadillas al por mayor

Greg McLean: desde Australia con horror

Mañana viernes 4 de abril se estrena por fin en España, con considerable retraso, El territorio de la bestia, del cineasta australiano Greg McLean. Dado que pudimos ver la película en el pasado Festival de Sitges, proyectada entonces con su título original, Rogue, consideramos que es la ocasión idónea para recuperar lo que escribimos por aquel entonces sobre esta cinta protagonizada por Radha Mitchell, Michael Vartan y un cocodrilo asesino.



Podéis leer la crítica aquí:

Sitges 2007: Rogue

La película, como dijimos en su día, se deja ver, si bien está a años luz de la calidad de su deslumbrante ópera prima, la brutal Wolf Creek, hoy disponible en DVD pero inédita cuando tuvimos la oportunidad de verla y escribir la crítica titulada Australian Gothic.



Así pues, Greg McLean es un cineasta a considerar, y si sus próximos trabajos están a la altura de su debut podría engrosar la lista de nuevos y prometedores realizadores de cine fantástico, en compañía de M. Night Shyamalan, Christopher Nolan, Zack Snyder, Alexandre Aja o Rob Zombie.

Abril: Novedades Dibbuks

La editorial madrileña Dibbuks anuncia dos nuevas obras, un volumen único y la nueva entrega de una serie de Frederik Peeters, para el mes que arrancó ayer:



- Valeria
José Blanco (Jota)
64 pp. (b/n) - 10 €

Sinopsis: 1985. Himalaya. Tres amigos de vacaciones en busca de una antigua reliquia: "El Díos dormido erecto", pero lo que encontrarán en su lugar es algo que ni en sus más locos sueños podrían haber imaginado. ¿Quién es Valeria? ¿De dónde viene y qué secretos oculta? ¿Por qué está tan cachonda? (...) Fer, Rocki y Patty muy pronto van a descubrir el enigma que se esconde detrás de Valeria. Y cuidado que salpica.



- Koma (vol. 4: El Hotel)
Pierre Wazem & Frederik Peeters
48 pp. (color) - 12 €

Sinopsis: Addidas acaba de recuperar a su padre y a su amigo de "el gran agujero", pero la policía anda detrás de sus pasos. Tras logras atrapar al "monstruo" comienza un interrogatorio que no lo soportaría ni el más pintado. ¿Logrará nuestro "monstruo" pasar satisfactoriamente este interrogatorio? Mientras, Addidas y el resto de los personajes se autoconvencen de que en el campo todos sus males pasarán. El hallazgo de un hotel en medio de la nada les deja perplejos y se abrirán más interrogantes a los que ya había planteados.

Making of: Las miserias del cine español (de género)

A poco que uno esté al tanto de lo que se cuece en el cine español de los últimos años, y aunque el autor no lo pusiera por escrito de forma explícita en una nota al final del libro, resulta obvio que estamos ante una novela, como suele decirse, basada en hechos reales: Making of es precisamente eso, el "Cómo se hizo" de Atolladero, la película de 1995 dirigida por el propio Óscar Aibar.

Como el autor señala en un capítulo del libro, tras cruzarse con un director vasco de éxito que no puede ser otro que Álex de la Iglesia, este dio el pistoletazo de salida a un cine español de género fantástico con Acción mutante, producida por El Deseo de Agustín y Pedro Almodóvar y que cosechó un considerable éxito de taquilla y excelentes comentarios, a pesar de la reticencia de los críticos de cine de nuestro país hacia cualquier producto que se salga de los límites (del realismo) prestablecidos.



Entre los directores que surgieron en aquel momento con la propuesta de un cine fantástico patrio estaba el propio Óscar Aibar, proveniente del mundo del cómic, en el que había publicado, junto a otras obras menos extensas, los álbumes ADN y Nacido salvaje (Toutain), con Fernando de Felipe a los lápices, y Atolladero, Texas, dibujada por Miguel Ángel Martín y serializada en la revista Makoki. Fue a partir de esta última narración que Aibar se propuso debutar en la gran pantalla con un film que mezclaba ciencia ficción, western fronterizo y comedia.

Pero como demuestra Making of, a veces hay una gran diferencia entre lo que uno se propone y lo que uno consigue, y en el cine patrio esto sucede la mayoría de las veces: así, mientras El día de la bestia de De la Iglesia mejoraba considerablemente su mencionado debut y recibía parabienes generalizados, Atolladero de Óscar Aibar era duramente criticada y acabó pasando por la cartelera como una exhalación.



Y es que más allá del talento de los implicados, las cosas pueden torcerse, y como señala Ignacio Martínez de Pisón, la ley del cine español no es otra que la Ley de Murphy: así, el protagonista de esta novela, que acaba de editar Mondadori, es un joven cineasta que hasta el momento solo podido dirigir una película, y que quince años después del rodaje acude a Alcantarilla, Murcia, a un festival de cine fantástico. Es entonces que recuerda lo que aconteció década y media antes, durante el rodaje en Tudela, cuando era tan solo un idealista cargado de buena voluntad y con la diáfana intención de hacer, simple y llanamente, una buena película. Pero para intentar lograr su propósito tuvo que bregar con un equipo técnico que, razonablemente, desconfiaba de cobrar sus sueldos tras continuos retrasos por parte de los productores; tampoco le dejaron pasar una las inclemencias del tiempo, que sin llegar al huracán que causó pesadillas a Francis Ford Coppola en el rodaje de Apocalypse Now también le fastidiaron lo suyo; por no hablar, incluso, del ataque de un misil por parte del ejército en el desarrollo de unas prácticas (!).

De esta manera Making of es, por un lado, la narración de unos hechos que lamentablemente pueden extrapolarse a buena parte del cine español de las últimas décadas; pero, por otro y sobre todo, relata un rodaje concreto. Y al respecto hay que reconocerle la valentía a Óscar Aibar, que pasa buena factura de aquellos hechos años después de producirse, con comentarios que -más allá de la licencia que da escribir una obra de ficción- podrían levantar ampollas a poco que uno se reconozca, ya sean el consumo de estupefacientes por parte de un actor, las infidelidades de otro o las llamadas a líneas telefónicas de un tercero. Y es que cuando se dan nombres resulta obvio que Jim Rock es Iggy Pop, Pere Pérez es Pere Ponce, José Arenosa es Joaquín Hinojosa, Fermín Arteta es Félix Rotaeta, o Blas Patino es Benito Pocino; y cuando no se dan, uno puede jugar a las adivinanzas y muy probablemente acierte.



Llegado a este punto, hay que hacer justicia y señalar que Óscar Aibar no es un escritor advenedizo, un recién llegado a las letras que se encuentra con la limitación de poder contar tan solo sus propias experiencias en formato de ficción: anteriormente ya había publicado los relatos de Tu mente extiende cheques que tu cuerpo no puede pagar (Debate, 2002), que recibió estupendas críticas y sacó a colación nombres como los de Raymond Carver o Roald Dahl, así como la novela Los comedores de tiza (Caballo de Troya, 2004). Por tanto, esta segunda novela que nos ocupa nace de la propia necesidad de contar algo que merece la pena contarse y que no debe olvidarse en las arenas del tiempo.

Así, a lo largo de las poco más de doscientas páginas de Making of, el lector es testigo de mil y un impedimentos para que las cosas salgan como debían de salir, y que convirtieron a Atolladero en una película, mejor o peor, pero bien distinta de la que Aibar tenía en mente: los elementos de género permanecieron allí (al menos, los que el presupuesto reunido y la costosa postproducción permitieron), pero la comedia fue desvaneciéndose y el film, marcado por la duda de si terminaría rodándose alguna vez y por un momento tan duro como el fallecimiento de Félix Rotaeta en pleno rodaje, se convirtió en una historia más oscura y triste de lo que se pretendía en un principio.



Y por eso Making of es una estupenda novela, como lo son libros de Ramón Gómez de la Serna o José Gutiérrez Solana o las películas dirigidas por Luis García Berlanga o Marco Ferreri escritas por el malogrado Rafael Azcona, obras todas ellas que ponen de manifiesto rasgos constituyentes de la tradición cultural española: son divertidas, sí (esta novela lo es, y mucho), pero tras la diversión se esconde un sutil poso de amargura que congela la sonrisa en un inquietante rictus.

Hoy, con la distancia que proporciona el tiempo, y aunque Atolladero no fuese lo que su director quería que fuese, resulta obvio que Óscar Aibar salió airoso del envite: su personaje, más que un alter ego el propio autor contando un capítulo de sus "Memorias", dudaba si volvería a dirigir, pero ahora sabemos que después vinieron Platillos volantes y La máquina de bailar, así como el telefilm Rumores. Ahora, haga o no haga más películas, y a la vista de las puertas que abre Making of de cara a una producción literaria futura, podemos decir que el puro de la victoria que Orson Welles le propone fumar tras finalizar el trabajo en una ensoñación que no dista mucho de la de Ed Wood en el film de Tim Burton merece fumarse con deleite.

El pabellón del ala oeste: Romeo y Julieta en la dinastía Tang

La editorial Ponent Mon, especializada en BD y manga nipón, sigue ampliando sus fronteras editando tebeos de otras latitudes, como es el caso de China: así, acaba de editar El pabellón del ala oeste, un manhua basado en un clásico del género zaju del teatro antiguo chino.

Esta obra, Xi Xiang Ji, al parecer escrita en buena parte por Wang Shifu, estaba inspirada a su vez en un cuento de Yuan Zhen, Yingying zhuan, que relataba los desengaños amorosos de la joven Yingying, que se entregaba a los brazos de un intelectual antes de contraer matrimonio. Al parecer, fue Wang Shifu quien, en su revisión del relato original, la convirtió en una historia más moralista, a la vez que en una de las historias románticas tradicionales más consistentes de la tradición cultural china.



Por tanto, estamos ante una historia que se ha contado muchísimas veces, y no solo en China: el romance entre los protagonistas, una joven de clase alta y un apuesto muchacho errante no dista mucho de los amores imposibles de tragedias mil veces narradas, como la de Romeo y Julieta de William Shakespeare, y las novedades pasan solo por ser apuntes superficiales.



Así, el guionista del cómic, Sun Jiayu, ha modificado el nombre de los protagonistas, y la acción se desarrolla durante la dinastía Tang (del año 618 al 907), en la ciudad de Pu Zhou, llamada hoy Yong Yi (en la provincia de Shan Xi). Aparte de eso, la historia sigue la evolución natural de este tipo de historias, contando con personajes habituales del estilo de la criada alcahueta o el militar embrutecido, y se precipita hacia un final feliz al que, después de la cadencia inicial, da la sensación de que se llega algo atropelladamente.



Por tanto, el interés de la obra radica sobre todo en su apartado gráfico, gracias al talento de Guo Guo, una joven artista china, de nombre real Guo Chaoxu, especializada en diseño de vestuario y que aquí debuta con acierto en el mundo del arte secuencial. Su efectiva narratividad, pese a ser una completa debutante, así como su dominio del entintado y -sobre todo- del color, hacen de las páginas de El pabellón del ala oeste una delicia para los sentidos, más allá de los tópicos de una historia a la que, dada su antigüedad, tampoco se le puede pedir mayores sorpresas.



Por ello la edición de Ponent Mon, lejos de ocultar que la gran baza es el trabajo de Guo Guo, incluye como apéndice veinte páginas de ilustraciones de la autora, que complementan una obra que entusiasmará a los amantes de los paisajes exóticos y el romanticismo exacerbado.


Título: El pabellón del ala oeste
Autores: Sun Jiayu (guión) / Guo Guo (dibujo)
Editorial: Ponent Mon
Fecha de edición: febrero de 2008
112 páginas (color) - 16 €

Bodrios que hay que ver: Troll

Ya lo dijimos en su día: habrá películas peores que Troll 2; y mejores, desde luego que también, y por arrobas. Pero iguales, iguales iguales, ninguna. Ni siquiera esta Troll que ya hemos conseguido ver, y es que aunque por lo general estas cosas nos las tomamos muy en serio y hacemos por ver las sagas en orden, en el caso de Troll y su secuela da bastante lo mismo.



Pues sí: ya hemos visto la primera entrega de Troll 2, a día de hoy, posiblemente, el bodrio más inenarrable e inimitable de las varias docenas que ya han pasado por esta sección de los martes. Y como no podía ser de otro modo, la cinta original es bastante mala, pero no llega a los abismos abismales del film de Claudio Fragasso.

Troll cuenta la historia de la familia Potter, una pareja con dos hijos que se traslada a su nueva residencia, un piso en una comunidad que nada tiene que envidiar a la del 13 Rue del Percebe de Francisco Ibáñez o a la televisiva de Aquí no hay quien viva. Así, entre sus paredes habitan personajes tan variopintos como una vieja bruja que tiene varios siglos de edad, un ligón de playa con la cara y el cuerpo de Sonny Bono (el malogrado ex compañero de Cher, eterna como la susodicha bruja), un aventurero y veterano de guerra, y un enano profesor de literatura al borde de la muerte dada la enfermedad degenerativa que padece.



A entorno tan idílico llegan Harry Potter y su familia. Sí, han leído bien: el progenitor se llama igual que el mago adolescente creado por J. K. Rowling en su célebre ciclo de novelas, si bien la afición de este es el coleccionismo de viejos vinilos de rock and roll que llevan a su esposa por la calle de la amargura, ya sea por el espacio que ocupa la colección (aunque nunca llegamos a ver ni una parte, no debía haber presupuesto para comprar discos) o por el ridículo espectáculo que supone ver a tu amante marido y padre de tus hijos bailando enloquecido en el salón (en una de las escenas más sorprendentes del film).

La película, como buena producción de Charles Band que es, va al grano, y nada más llegar al edificio la niña baja al sótano jugando con su pelota y es secuestrada por Torok, el horrible troll del título, que a continuación y gracias a un hechizo de su anillo de poder, no muy distinto del de cualquier Green Lantern de segunda de DC Comics, toma su forma y la sustituye para, desde dentro, ir desmantelando a la comunidad, cargándose a todo bicho viviente, y recreando en el interior del edificio el mundo fantástico donde vivió hace siglos.



La idea de partida no es mala, pero conforme avanza la acción y la hija pequeña de los Potter empieza a mostrar síntomas de padecer la rabia o, sencillamente, ser una pequeña y odiable cabrona, la desidia invade al espectador, que asiste perplejo a la habitual desconfianza de todo el mundo hacia el protagonista, el joven Harry Potter Jr. Solo la misteriosa anciana que vive rodeada de elementos mágicos (entre ellos, una seta enorme con cara de ancianito y que murmura en cuanto le dejan) parece creerle, y después de un hechizo que la rejuvenece cosa mala, ayudará al pequeño Harry a enfrentarse al troll y a su ejército de criaturas del bosque.

Así, la película podría pasar por un relato fantástico en la línea de La princesa prometida, novela de William Goldman y film de Rob Reiner, y clara referencia, como dijimos en su momento, para Troll 2. Tampoco tendría mucho que envidiar a la fantasía revisionista del Neil Gaiman de Stardust o Los hijos de Anansi. Pero el talento del director John Carl Buechler y el guionista Ed Naha consigue que su cinta se parezca más a No desearás al vecino del 5º de Ramón Fernández o a ¡No hija, no! de Mariano Ozores.



Nada que extrañar, habida cuenta de que John Carl Buechler es un profesional, pero de los efectos especiales y el maquillaje, y a la hora de dirigir Troll solo había firmado anteriormente otra cinta, Dungeonmaster, igualmente producida por el inefable Charles Band. Después de Troll, su carrera sería lógicamente errática, y entre sus escasas películas se cuentan cosas como la séptima parte de Viernes 13, la tercera de los míticos (es un decir) Ghoulies, y la segunda de Proyecto: Terror (Watchers).

En cuanto al reparto de esta cosa, señalar el protagonismo de Michael Moriarty, el actor fetiche de Larry Cohen, como Harry Potter Sr., y de Noah Hathaway, que había sido el Atreyu de La historia interminable dos años antes, como su hijo Harry Potter Jr. En cuanto a la comunidad de vecinos, además del citado Sonny Bono, se cuenta con la presencia de Julia-Louis Dreyfus, popular luego como Elaine en Seinfeld, así como de Phil Fondacaro en un doble papel: Malcolm, el profesor de literatura, y el simpar troll homicida, bajo toneladas de maquillaje.



En fin, una película infausta que, no obstante, hará las delicias de los amantes del cine tontorrón, y pieza capital de la cinematografía mundial solo por haber dado pie a que pudiera existir luego algo como Troll 2.