El Hollywood de Brian De Palma

Vaya por delante que nuestra opinión está en franca minoría, pero hemos visto La Dalia Negra de Brian De Palma y nos ha gustado.

A nadie se le escapa que no estamos ante una obra maestra, ni ante una cinta que esté a la altura de anteriores filmes del género realizados por el director de New Jersey, como Los intocables de Eliot Ness o Atrapado por su pasado. Pero esta adaptación de la novela de James Ellroy, aun desconociendo el original literario (o precisamente por eso), funciona perfectamente como thriller noir al estilo de De Palma.



La película no es, como se ha dicho por ahí, confusa o enrevesada. En todo caso, podría resultar previsible a poco que el espectador esté atento a ciertos detalles: De Palma, por una vez, no hace demasiadas trampas, y la lista de sospechosos es bastante limitada. Pero esta mirada al lado más oscuro de Hollywood funciona, y cuenta con momentos de gran cine... la mayoría protagonizados, por cierto, por una inolvidable Mia Kirshner en la piel de Elizabeth Short, la Dalia del título.



No nos extenderemos más, pues la columna de Abandonad toda esperanza del próximo viernes versará precisamente sobre esta película. Sólo añadiremos que precisamente ayer se supo que Joe Carnahan, autor de la estupenda Narc y que comenzó a filmar Misión Imposible III hasta que fue sustituido por J. J. Abrams, adaptará a la gran pantalla Jazz blanco, otro de los cuatro libros que conforman el Cuarteto de Los Ángeles de Ellroy. Si es sólo poco mejor que La Dalia Negra y una cuarta parte de lo que lo fue L.A. Confidential, nos daremos por satisfechos.

El cómic del año

Será sin duda uno de los cómics del año. Por no decir "el cómic del año". Norma Editorial editará en el mercado español la selección de planchas de Little Nemo in Slumberland publicada por Peter Maresca hace unos meses.



Little Nemo in Slumberland (vol. 1): ¡Esos espléndidos domingos!
Winsor McCay
120 pp. (color) - 120 €

El volumen, que contiene una selección de las mejores historias publicadas entre 1905 y 1910, ha obtenido el Premio Eisner y el Premio Harvey Kurtzman a la Mejor Edición de 2006.

La edición española saldrá a la venta el próximo 15 de diciembre, y contará con una primera edición limitada de 1.000 copias.

Sitges (XVI): Behind the mask

Una de las más agradables sorpresas de las sesiones golfas del último Sitges fue Behind the mask (The rise of Leslie Vernon), film norteamericano que desde una perspectiva metalingüística analiza el fenómeno de las slasher movies de los años 70 y 80.



Su protagonista, Leslie Vernon, es un adolescente que aspira a formar parte de la galería del horror del cine de terror contemporáneo, siguiendo los pasos de famosos psychokillers del cine como Michael Myers (Halloween), Jason Vorhees (Viernes 13) o Freddy Krueger (Pesadilla en Elm Street). Para ello se entrena con disciplina y estudia pormenorizadamente las andanzas de sus ídolos. Mientras tanto, un grupo de estudiantes realizan un documental sobre su proyecto...

De esta forma, la cinta de Scott Glosserman recoge el testigo de Wes Craven y su trilogía de Scream, pero haciendo uso de la estética documental. No obstante, en el último acto de la película, ésta se convierte -como era de esperar, por otra parte- en una slasher movie con todas las de la ley, sin olvidar, eso sí, cierto componente autoparódico.



La película cuenta con lógicas presencias cult, aquí las de Robert Englund, el alter ego de Freddy Krueger, interpretando a la némesis del protagonista, así como una episódica Zelda Rubinstein (Poltergeist); eso sí, quien está magnífico en su cometido es el veterano Scott Wilson (uno de los asesinos de A sangre fría de Richard Brooks) como veterano psicópata y mentor de Leslie.

Behind the mask es, de esta forma, una inteligente propuesta que satisfará sin duda a los que, como su personaje principal, amen este subgénero, siempre que puedan tomárselo a broma de vez en cuando.

Los inicios de Stanley Kubrick

El compromiso de escribir un artículo sobre la relación entre el escritor de novela negra Jim Thompson y el director de cine Stanley Kubrick me ha llevado a tener que revisar recientemente las dos películas en que trabajaron juntos: Atraco perfecto y Senderos de gloria. ¡Ojalá todas las (auto)imposiciones fueran tan agradables!



Y es que a cincuenta años de su realización, ambas películas siguen funcionando a la perfección: la primera, como ejercicio de cine negro adelantadísimo a su tiempo, de estructura fragmentada y discurso certero. La segunda, como alegato antibelicista que remueve conciencias y provoca reflexiones acerca del cuestionamiento de la autoridad militar.



Y ambas, dos de los trabajos primerizos de Kubrick y considerados con justicia como dos de sus obras maestras incontestables, cuentan sus respectivas historias en poco más de ochenta minutos cada una. Buena parte de los cineastas de hoy deberían aprender un poco de la concisión del mejor cine clásico de Hollywood.

Próximamente, más en la Gangsterera.

Sitges (XV): Princess

Una de las películas más merecidamente controvertidas del último Sitges fue Princess, del danés Anders Morgenthaler, que con una osadía digna de todos los aplausos mezcla sexo explícito, violencia y religión en un cóctel explosivo. Con la misma encomiable osadía, el jurado decidió concederle el Méliès de Plata a la mejor película fantástica europea del certamen.



Por si fuera poco, su atrevimiento se prolonga al plano formal, pues estamos ante un film de animación (medio considerado todavía por muchos como exponente de productos destinados a un público infantil) que presenta insertos en imagen real de vídeos caseros.

La película está protagonizada por August, un sacerdote que al morir su hermana Christina se ve obligado a cuidar de la hija de ésta, la pequeña Mia. En compañía de su sobrina, emprende una cruenta venganza contra los antiguos amigos y socios de Christina, pertenecientes, como ella, a la industria del cine X.

La cinta ha sido acusada de ser un alegato a favor de la violencia, a la vez que un conservador ataque contra el cine pornográfico. No obstante, creemos que no toma una postura dogmática, y deja al espectador la posibilidad de sacar sus propias conclusiones. A poco que éste reflexione sobre ello, la conducta de August le parecerá tan lamentable como la de los amigos de Christina: al mismo tiempo que intenta mantener a la niña alejada del sexo explícito, no tiene inconveniente alguno a la hora de hacerla partícipe de su furia vengadora.



Un apunte final: la película surge de un cortometraje previo del realizador, Araki (The death of a Japanese photographer), donde se encuentra tanto el germen de la historia como los recursos formales del largometraje. En Sitges se proyectó dicho trabajo como complemento del film que comentamos, algo que satisfizo a los estudiosos y completistas, pero que hace flaco favor a la recepción de la película, pues se pierde buena parte de la sorpresa inicial.

No obstante, y desde unos deslumbrantes títulos de crédito sobre montajes de portadas de revistas especializadas en porno, un servidor se rindió incondicionalmente al talento de Morgenthaler. Esperamos con ansiedad ver más trabajos suyos.

JLA / Titanes: más de lo mismo

Con este JLA / Titanes recién publicado, Planeta de Agostini ha recuperado una miniserie aparecida en Estados Unidos a finales de los 90, JLA / Titans: The Tecnis Imperative; y se trata de una obra que, lamentablemente, presenta las carencias habituales de buena parte de los cómics de superhéroes de los últimos veinte años.



La historia (un ente tecnológico ocupa la base lunar de la JLA y secuestra a los miembros de las distintas formaciones de los Titanes por una causa desconocida) no es más que una excusa de la que partir para volver a construir un quién es quién de buena parte de un universo superheroico (en esta ocasión, el Universo DC) y enfrentar a los miembros de dos supergrupos para al final unirlos a todos contra una causa común. Esto es, una suerte de Crisis en tierras infinitas de saldo.

Por si esto fuera poco, la composición de las páginas resulta confusa, y pone de manifiesto que en los tebeos de superhéroes de los últimos tiempos, lo que hemos ganado en espectacularidad, lo hemos perdido en capacidad de saber narrar mediante viñetas.



Del desaguisado sólo se salva el trabajo del ilustrador Phil Jimenez (y, como ya hemos dicho, no como narrador, pero sí como dibujante), con claras reminiscencias a la obra de John Byrne y, sobre todo, George Perez.

En definitiva: sólo para completistas del Universo DC o para muy fanáticos de los crossovers.


Título: JLA / Titanes (El Imperativo Tecnis)
Autores: Devin Grayson (guión) / Phil Jimenez (guión y dibujo) / Andy Lanning (entintado)
Editorial: Planeta de Agostini Comics
Fecha de edición: septiembre de 2006
128 páginas (color) - 9,95 €

Sitges (XIV): Children of men

Ya estrenada entre nosotros como Hijos de los hombres, la última película de Alfonso Cuarón está basada en la novela de P. D. James, y se convierte sin esfuerzo alguno en la mejor película del autor de títulos como Grandes esperanzas o Y tu mamá también.



El film forma ya parte de la tradición del cine futurista de carácter distópico, un subgénero definido por novelas como 1984 de George Orwell o Un mundo feliz de Aldous Huxley. En esta ocasión, la trama está ambientada en un planeta marcado por la infertilidad de las mujeres, un fenómeno cuya causa es desconocida pero cuya más obvia consecuencia es el peligro que corre la supervivencia de la raza humana.

Cuarón consigue un equilibrio perfecto entre un trabajo de ideas y un buen ejercicio de cine comercial, siguiendo las peripecias del personaje protagonista, que encarna, con una perfección ya habitual en él, Clive Owen.



Otro de los logros del guión es un recurso que ya usara Alfred Hitchcock en Psicosis, pero que a pesar de ello no es nada habitual: el eliminar a uno de los personajes protagonistas al poco de estar avanzada la trama logrando que el espectador permanezca en un estado de sorpresa y preocupación permanente.

En cuanto al reparto, dejando de lado a Owen, hay que destacar el buen hacer de Julianne Moore, un breve Danny Huston y, sobre todo, un Michael Caine que otorga a su personaje una personalidad y una dignidad inolvidables.

Finalmente, cuando la película finaliza, Cuarón subraya el carácter mesiánico y de redención de sus protagonistas en el desangelado plano final, si bien deja una puerta abierta a la esperanza. Una puerta muy pequeña.

Lo importante está en el interior

María llena eres de gracia narra la historia de María Álvarez, una joven colombiana que harta de ser explotada en una empresa de arreglado de flores, y con un hijo a punto de llegar, opta por un camino más rápido para hacer dinero: trabajar de mula pasando droga en el interior de su cuerpo de Colombia a Estados Unidos.



Hermanada con otras cintas de denuncia de la situación político-social de Colombia, como La virgen de los sicarios de Barbet Schroeder o La vendedora de rosas de Víctor Gaviria, este film surge como fruto de la investigación previa de Joshua Marston, su director, que consistió en entrevistas con mulas reales que se encontraban en la cárcel.

Por ello, María llena eres de gracia puede presumir de una gran verosimilitud, a la que no resulta ajena el gran trabajo de Catalina Sandino Moreno, intérprete que pese a su juventud y su nacionalidad extranjera consiguió entrar en la lista de cinco nominadas al Oscar como Mejor Actriz en 2005, que finalmente ganó Hilary Swank por Million Dollar Baby.



El único defecto de la cinta es que, a pesar de todo lo expuesto aquí, la historia no consigue que el espectador se implique con ella todo lo conveniente: hay diversas escenas que deberían hacer gala de una gran tensión contenida, y no es así, con la excepción del interrogatorio en el aeropuerto por parte de dos policías, quizá la escena más conseguida y sin duda la más emocionante del film.

Finalmente, destacar un último apunte, de esos que nos hacen pensar que podríamos estar ante un gran director del que esperar nuevos trabajos: en las calles de Nueva York, una María fuera de su hábitat natural camina perdida, y observa a un joven que trabaja en la calle arreglando flores. A pesar del sueño americano, en todas partes cuecen habas. Aunque en unos sitios se deje notar más que en otros.

Sitges (XIII): Los abandonados

Nacho Cerdá conmocionó Sitges hace unos años con su brutal corto Aftermath, que incluía una autopsia con una explicitud nunca vista hasta el momento. Después llegaría Génesis, una lírica historia acerca del amor vista desde un prisma decididamente fantastique.



Así pues, su debut en el largo se ha hecho esperar: el resultado ha sido Los abandonados. Y sentir una cierta decepción es inevitable.

Los abandonados cuenta con las magníficas interpretaciones de Anastasia Hille y Karel Roden. Ambos, sobre todo la primera, están realmente prodigiosos en sus papeles. Además, la cinta cuenta con una fotografía espléndida y un diseño de producción muy por encima de la media en lo que se refiere al cine español de género.

Pero todos estos elementos no consiguen esconder la gran carencia de la película: que la historia que cuenta no da para tanto. Lo que debería ser un espeluznante cortometraje de fantasmas se convierte en una narración alargada hasta la saciedad, que concluye con un giro circular que ya no sorprende a nadie. ¿Era necesario que para esto se unieran las mentes creativas de dos cineastas como Karim Hussain o Richard Stanley con el propio Cerdá, todos ellos presentes en Sitges? Pensamos que no.

[Imagen: Richard Stanley, Karim Hussain, Anastasia Hille y Nacho Cerdá en Sitges.]

El trailer del viernes: Flags of our fathers

Ya se empieza a ver en los cines españoles el trailer de Banderas de nuestros padres, la última película como director del último clásico vivo de Hollywood: Clint Eastwood.

Sin duda se trata de una de las películas más esperadas del año: promete ser una epopeya épica a partir de la famosa foto de Joe Rosenthal (fallecido este mismo año) realizada tras la batalla de Iwo Jima, y será la primera entrega de un díptico sobre este hecho histórico. La segunda película, vista desde el prisma del ejército japonés y de nuevo con Eastwood tras las cámaras, se estrenará el próximo año.

Podéis ver el trailer (en inglés) aquí:

Flags of our fathers

Manga para todos

Hoy y hasta el domingo 29, abre sus puertas el XII Salón del Manga, que se celebra en L'Hospitalet de Llobregat (Barcelona).



Los invitados al salón de este año son Masazaku Katsura, autor de Tsubasa y Video Girl Ai; Monkey Punch, creador de la serie de culto Lupin; la autora Tachibana Higuchi (Alice, escuela de magia); Hideshi Hino, figura clave en el ámbito del terror nipón; y Atsuko Nakajima, responsable de la popularísima Ranma 1/2.

El salón contará también con las actuaciones del grupo Blood y de Hironobu Kageyama, cantante de los populares temas de Dragon ball y Saint Seiya (Los caballeros del zodiaco).



Para un servidor, lo más interesante es la presencia de Hideshi Hino, autor de obras tan interesantes como La serpiente roja o El niño gusano. Por si su presencia no fuese suficiente, Hino presentará una exposición de originales de sus obras Panorama infernal y El hombre cadáver.



La programación del festival se completa con conciertos, campeonatos de cosplay, karaoke, torneo de videojuegos, proyección de películas, talleres y mesas redondas sobre el cómic japonés.

[Imágenes: Saint Seiya y La serpiente roja.]

Sitges (XII): The Fountain

La última película de Darren Aronofsky fue, junto con Inland Empire, el trabajo más polémico del último Festival de Venecia; y dado que la cinta de David Lynch fue tan aplaudida como atacada, The Fountain se convirtió en el film más vapuleado por unanimidad de todo el certamen.



Una vez vista en Sitges, cabe plantearse si había para tanto. Y la verdad es que no: ¿Que la película es críptica? Pues lo es ligeramente, pero desde luego no más que Pi (Fe en el caos), el debut de Aronofsky. ¿Que no es tan buena como su siguiente trabajo, Réquiem por un sueño? Nosotros preguntamos: ¿Y?

Esta nueva obra, que aquí se estrenará como La fuente de la vida, relata el empeño de un investigador científico por descubrir un remedio que detenga el avance de un cáncer que está acabando con la vida de su esposa. A partir de ahí, Aronofsky construye una epopeya lírica, una historia romántica más allá del tiempo y el espacio, y donde las interpretaciones de Hugh Jackman y, sobre todo, Rachel Weisz, son dignas de aplauso.



De esta forma, el gran enemigo de la historia es la mismísima muerte. Una muerte a la que, como en El laberinto del fauno de Guillermo del Toro (también vista en Sitges), no se puede vencer. Pero sí se puede luchar contra ella, y en ese propósito ya radica el éxito de una batalla ganada.

Posiblemente, la película no sea tan buena como pueda creerlo el propio realizador, pero desde luego no es tan mala como ha dicho la crítica internacional. Ni siquiera es floja. Es una apuesta personal de Aronofsky, que hay que recibir como lo que es: un nuevo peldaño en una filmografía que hay que seguir atentamente, así como una película que no se parece demasiado a ninguna otra. Sólo por esto último ya vale muy mucho la pena.

Delicatessen

Ponent Mon ha editado recientemente dos magníficos cómics, Fresa y chocolate y Período glaciar, que no deberían pasar desapercibidos. A ambos está dedicada la columna de hoy de Abandonad toda esperanza.

Podéis leerla aquí:

Arte sin prejuicios

Noviembre: Novedades Dolmen

Varias novedades, incluyendo libros y revistas, las de la editorial Dolmen para finales de octubre y el mes de noviembre:



- Haw!
Ivan Brunetti
48 pp. (b/n) - 8,95 €

- Cabeza de Tostadora: El terror dentro
Dario Adanti
116 pp. (b/n) - 9,95 €

- Aprende a dibujar, vol. 3
AA.VV.
126 pp. - (color y b/n) - 13,95 €

- Perdidos (I): Especies en peligro
Cathy Hapka
200 pp. - 10 €

- Revista Dolmen nº 130
84 pp. (color y b/n) - 2,95 €



A destacar, además de la primera de las cuatro novelas surgidas de la exitosa serie televisiva Lost (Perdidos) de J. J. Abrams, la publicación de Haw!, del autor de Schizo; y una nueva recopilación de historias del argentino Dario Adanti, un autor siempre interesante.

Guillermo del Toro: uno de los nuestros

Desde que debutara en la dirección con la portentosa Cronos, Guillermo del Toro ha dejado claro que se trata de uno de los nuestros. Incluso cuando ha demostrado poder funcionar como un artesano en manos de la gran industria hollywoodiense, caso de Mimic o Blade II (sobre todo en la primera, por más que la segunda forme parte de una saga que es ya toda una franquicia, con los cómics previos del personaje o la reciente serie de TV), el cineasta mexicano siempre se ha mantenido fiel al género fantástico.



Hasta la fecha, su filmografía la conformaban, aparte de los títulos citados, la interesante El espinazo del diablo y Hellboy, según el cómic homónimo de Mike Mignola. Ya en la primera de ellas Del Toro hizo una particular mixtura entre el fantastique y el drama ambientado en los duros años de la postguerra en España.

En esta última fórmula insiste con El laberinto del fauno, su estupenda nueva película, donde no es difícil en principio establecer una línea divisoria entre la historia real de un país (donde destacan las interpretaciones de Sergi López y una magnífica Maribel Verdú) y las fabulaciones fantásticas de una niña.



Pese a ello, el cineasta consigue que el espectador, a lo largo de todo el metraje, se pregunte si los elementos fantásticos del relato son reales o sólo están en la imaginación de la niña. Una vez concluye la cinta, podría decirse que Del Toro no se vende y muestra que, más allá de la fantasía, la cruda realidad (de un país y de unos individuos en concreto) siempre vence. ¿O sólo el hecho de poder evadirse es ya una batalla vencida contra el Mal?

Así pues, Del Toro toma el camino más delicado (la ambigüedad que reina durante todo el relato), y finalmente resulta victorioso. Lástima que se eche de menos una historia más elaborada y algo más de credibilidad en algunos diálogos e interpretaciones; son estas carencias las que empañan un poco los indudables méritos de una cinta donde destaca, además de la dirección artística (siempre muy cuidada en la filmografía de este autor), un espléndido Álex Angulo en la piel del Doctor Ferreiro, personaje de una férrea dignidad de ecos fordianos que tiene a su cargo, junto con el verdugo interpretado por Sergi López, la mejor escena del film.

Crisis de identidad: Una muerte en la familia

No hay nada como una muerte para azotar un poco un universo de ficción. Las grandes empresas norteamericanas dedicadas a la edición de cómics, concretamente las dos majors, Marvel y DC, lo vienen haciendo de vez en cuando desde siempre; y aunque muchas veces sean muertes frustradas en el tiempo mediante resurrecciones más o menos (in)justificadas, el recurso sigue funcionando.



Viendo la espectacular portada del primer número, obra de Michael Turner, a nadie se le escapa que Crisis de identidad arrancará con un cadáver. No desvelaré aquí la identidad del mismo, pero vaya por delante que Brad Meltzer consigue emocionar a lectores, como un servidor, no habituales del Universo DC.

Y lo consigue porque, más allá de recurrir al conocimiento previo del lector respecto de la ficción que le presenta, trabaja el retrato de los personajes con los que juega, por mucha tradición que tengan detrás, con libertad, profesionalidad y recursos de Escritor, en mayúsculas: los dos primeros números de Identity Crisis, aquí reunidos en un solo ejemplar, hacen gala de acciones creíbles y diálogos verosímiles, algo lamentablemente poco habitual en cómics protagonizados por tipos en mallas.



Uno de los temas principales de esta miniserie son las repercusiones de ser un superhéroe para los familiares de estos, sean o no superhéroes también. ¿Quién no recuerda el triste final de Gwen Stacy, la primera novia oficial de Peter Parker, más conocido como Spiderman? ¿O la muerte de Jason Todd, alias Robin, en manos del peor enemigo de Batman? Aquí, Meltzer recupera este recurso, pero potenciando en un primer momento la intriga acerca de la identidad del asesino (no olvidemos que el guionista también ha escrito novelas de género policíaco), así como las consecuencias que estas muertes acarrearán en la psique de los supervivientes.

Ahora sólo queda esperar, para juzgar esta miniserie como se merece, los otros dos números españoles que le pondrán fin, suponiendo un punto de arranque de una nueva redefinición del Universo DC que pretende estar a la altura de la ya clásica macrosaga Crisis en tierras infinitas. Y lo logrará con creces, si sigue manteniendo la calidad de su inicio. Algo que no será tarea fácil.


Título: Crisis de identidad nº 1
Autores: Brad Meltzer (guión) / Rags Morales (dibujo) / Michael Bair (entintado)
Editorial: Planeta de Agostini Comics
Fecha de edición: octubre de 2006
72 páginas (color) – 4,95 €

Sitges (XI): Time

Kim Ki-duk es uno de los cineastas más interesantes del cine coreano actual: observador de las relaciones humanas, gusta de mostrarlas siempre llevadas al límite, mediante historias donde los sentimientos se manifiestan más a través de las miradas y los actos que de los diálogos (que por lo general son bien escasos en su obra).



En Sitges presentó su último trabajo, Time, una reflexión acerca de la identidad y de la aceptación de uno mismo, una historia inquietante de carácter circular que no desentona en una filmografía donde se cuentan títulos tan interesantes como La isla, Samaritan girl o la maravillosa Hierro 3.

Time cuenta la historia de una chica devorada por unos celos irracionales hacia toda aquella mujer que interactúe con su novio: su temor a perderlo y a que éste se sienta atraído por otras mujeres la llevará a ponerse en manos de un cirujano para conseguir otro rostro. Lo que ella no sabe es que no es tan fácil esconderse de uno mismo...



Como puede verse, estamos ante una historia que se mueve en la frágil frontera que hay entre lo lógico y lo irracional, algo muy del gusto del autor de El arco. Ahora bien, en esta ocasión Ki-duk ha cambiado ligeramente de registro, y ha filmado un guión con más diálogos de lo habitual en él. Pese a ello, y aunque en un principio este hecho podría hacer creer que podríamos estar ante uno de los títulos más accesibles de su filmografía, pronto la cinta camina por inquietantes vericuetos que la alejan del cine de consumo fácil. A Dios gracias.

Diciembre: Novedades Planeta (Expocómic)

Una verdadera avalancha de novedades las de Planeta de Agostini para el próximo Expocómic, a celebrarse en Madrid del 30 de noviembre al 3 de diciembre:

Cuenta atrás a Crisis Infinita
AA.VV.
72 pp. (color) - 2,95 €
El día de la venganza
Bill Willingham & Justiniano
114 pág (color) - 11,95 €
Green Lantern: Renacimiento
Geoff Johns & Ethan Van Sciver
176 pp. (color) - 12,95 €
Green Lantern Especial 1
Geoff Johns
64 pp. (color) - 3,50 €
Jóvenes Titanes / Legión
Geoff Johns & Mark Waid & Ivan Reiss
32 pp. (color) - 2,50 €
Los siete soldados de la victoria
Grant Morrison & J.H. Williams III
48 pp. (color) - 3,50 €
Los siete soldados de la victoria TPB 1
Grant Morrison & Ryan Sook
96 pp. (color) - 8,95 €
Manhunter
Marc Andreyko & Jesús Saiz
72 pp. (color) - 4,95 €
Superman: El día de la venganza
Judd Winick & Ian Churchill
72 pp. (color) - 5,95 €
Batman: El anillo, la flecha y el murciélago
Denny O'Neil & Greg Land et alii
192 pp. (color) - 13,95 €
Batman: Juegos de guerra nº 1
AA.VV.
208 pp. (color) - 12,95 €
JLA 7
Kurt Busiek & Ron Garney
200 pp. (color) - 12,95 €
JLA: Justicia y libertad
Paul Dini & Alex Ross
96 pp. (color) - 9,95 €



Fábulas nº 3
Bill Willingham & Mark Buckingham
168 pp. (color) - 11,95 €
Los perdedores nº 2: Close Quarters
Andy Diggle & Ben Oliver
144 pp. (color) - 11,95 €
La cosa del pantano
Neil Gaiman & Alan Moore et alii
64 pp. (color) - 3,95 €
La cosa del pantano: Génesis oscura
Len Wein & Bernie Wrightson
240 pp. (color) - 16,95 €
Shade, el hombre cambiante nº 9
Peter Milligan et alii
96 pp. (color) - 7,95 €
Animal Man de Jamie Delano nº 4: Diente y garra II
Jamie Delano & Steve Pugh
112 pp. (color) - 8,95 €
Hellblazer nº 5: A la tierra donde van los muertos
Mike Carey et alii
176 pp. (color) - 11,95 €



Los archivos de Superman, vol. 1
Jerry Siegel & Joe Shuster
224 pp. (color) - 25,00 €
Los Archivos de Batman, vol. 3
Bill Finger & Bob Kane
224 pp. (color) - 25,00 €
Green Lantern / Green Arrow
Dennis O'Neil & Neal Adams
384 pp. (color) - 30,00 €
Green Lantern: La leyenda de la llama verde
Neil Gaiman et alii
48 pp. (color) - 3,95 €
Manhunter
Archie Goodwin & Walter Simonson
96 pp. (color) - 8,95 €
Watchmen (edición Absolute)
Alan Moore & Dave Gibbons
464 pp. (color) - 35,00 €
Batman: El contraataque del caballero oscuro (edición Absolute)
Frank Miller
280 pp. (color) - 22,00 €



Appleseed nº 4
Masamune Shirow
216 pp. (b/n) - 9,95 €
Yaiba nº 7
Gosho Aoyama
368 pp. (b/n) - 9,95 €
Orion
Masamune Shirow
264 pp. (color) - 9,95 €
Lady Snowblood nº 2
Kazuo Koike & Kazuo Konimura
512 pp. (b/n) - 19,00 €
Emma nº 2
Kaoru Mori
208 pp. (b/n) - 7,95 €

Alack Sinner nº 8: El caso de Estados Unidos
Carlos Sampayo & José Muñoz
80 pp. (b/n) - 8,95 €
Arq nº 9
Andreas
48 pp. (b/n) - 5,95 €
El clic nº 2
Milo Manara
48 pp. (b/n) - 10,95 €
Gregory nº 2
Marc Hempel
144 pp. (b/n) - 7,95 €
Groo: Infierno
Sergio Aragonés
96 pp. (color) - 9,95 €
James Bond nº 2
Ian Fleming & John McClusky
128 pp. (b/n) - 9,95 €
John Lord nº 2
Denis-Pierre Filippi & Patrick Laumond & Sébastien Gérard
56 pp. (color) - 10,95 €
Kamasutra
Milo Manara
64 pp. (b/n) - 11,95 €
Krazy Kat
George Herriman
120 pp. (b/n) - 15,00 €
La conjura de cada miércoles: Sectas y paranoias nº 1
Sergio Bleda
48 pp. (color) - 9,95 €
La leyenda del dragón: Especial
Jamie Delano & Manuel Martínez
48 pp. (color) - 2,95 €
Lapinot 7
Lewis Trondheim
96 pp. (color) - 8,95 €
MAD: Locos por la tele
AA.VV.
96 pp. (b/n) - 8,95 €
Revista MAD nº 1: Los idiotas de siempre
48 pp. (color) - 1,00 € (resto: 2,95 €)
Murena nº 5: Diosa negra
Jean Dufaux & Philippe Delaby
56 pp. (color) - 10,95 € (+ Doble máscara nº 1, gratis)
Pétalos de nieve
Mihona Fujii
64 pp. (b/n) - 6,95 €
Rendez-vous fatal
Milo Manara
48 pp. (b/n) - 10,95 €
Revelaciones
Paul Jenkins & Humberto Ramos
144 pp. (color) - 11,95 €
Rey David
Kyle Baker
160 pp. (color) - 16,95 €
Saigón-Hanoi
Cosey
144 pp. (color) - 15,00 €
Sarahzad II
Toppi
64 pp. (color) - 12,00 €
Snoopy y Carlitos, vol. 4
Charles M. Schulz
328 pp. (b/n) - 16,95 €
Spawn: La promesa
David Hine & Philip Tan
160 pp. (color) - 11,95 €
Tres artistas en París
Carlos Sampayo & Óscar Zárate
80 pp. (color) - 11,95 €



Todo el universo de Dupuy y Berberian
Dupuy & Berberian
240 pp. - 25,00 €
La voz del fuego
Alan Moore
352 pp. - 18,00 €
Hal Foster. Príncipe de los ilustradores. Padre de las tiras de aventuras
Brian M. Kane
208 pp. (color) - 30,00 €

¿Quién puede matar a un niño?

Si alguien puede, ese es Clive Barker. Al menos en sus ficciones. No obstante, empieza ya a ser preocupante la desvergüenza de algunos comerciantes del séptimo arte (por así llamarlo) a la hora de vender sus productos. No sabemos si en esta ocasión la culpa es del propio Barker, aunque intuimos que sí, salvo que delegue en empresarios de lo que ya sin duda será todo un holding montado sobre su obra.



Y es que El sueño de la muerte, título de la edición española en DVD de Clive Barker’s The Plague, no es ya que no esté escrita o dirigida por el autor de Hellraiser, sino que ni siquiera está basada en uno de sus textos o inspirada por una idea original suya. Barker es uno más de los varios productores ejecutivos de la cinta, pero su fama entre los aficionados al género han llevado a que su nombre preceda al título de la misma.

¿Y qué podemos decir en cuanto a la película en sí? Protagonizada por el protagonista de la serie Dawson crece e Ivana Milicevic, el film no pasa de ser un mero divertimento, con apenas algún momento afortunado, fruto por lo general de una premisa nada original pero sí funcional, que hace que el espectador se enfrente a uno de los tabúes más enraizados en la cultura occidental: la violencia llevada a cabo y/o sufrida por niños.



Así pues, nada nuevo sobre el horizonte: la película parte de una idea que ya estaba, por ejemplo, en la película de Narciso Ibáñez Serrador cuyo título encabeza esta nota, para luego dejarse llevar por la tradición de la saga de zombies de George A. Romero (el personaje de Dee Wallace tiene una función y un final semejantes a los de Marilyn Eastman en la cinta inaugural de Romero), sin olvidar otras influencias de clásicos como El pueblo de los malditos o, sobre todo, La invasión de los ladrones de cuerpos.

En definitiva: no está mal para pasar el rato, si no se le piden peras a un olmo que empieza a oler a podrido.

[Imagen: Clive Barker.]

Noviembre: Novedad De Ponent

Edicions de Ponent anuncia que a finales de noviembre se distribuirá la sexta entrega de las Aventuras del capitán Torrezno:



Los años oscuros (Las aventuras del capitán Torrezno 6)
Santiago Valenzuela
112 pp. (b/n) - 17 €

Dicho ejemplar se acompaña de una caja automontable en la que caben los seis volúmenes de la primera entrega de la saga; es decir, todo el material publicado hasta el momento.

En esta entrega el autor se remonta al inicio de las aventuras del protagonista, descubriéndonos sus orígenes.

En la web de la editorial pueden verse algunas páginas interiores de la obra.

Sitges (X): Retribution

Paradójicamente, siendo uno de los cineastas más influyentes a la par que respetados del más reciente cine de terror japonés, la obra de Kiyoshi Kurosawa es bastante desconocida en España, y ninguna de sus películas se ha estrenado en salas comerciales.



Esta lamentable situación podría remediarse pronto gracias a la retrospectiva que le ha dedicado el último Festival de Cine de Sitges, y al premio Màquina del Temps a toda su carrera que se le concedió durante el certamen. Esto debería suponer una llamada de atención para los distribuidores españoles.

De dicha retrospectiva pudimos ver Retribution, su último trabajo, cuarta entrega de la serie de filmes J-Horror Theatre, y que se inscribe como muchos de los trabajos previos del realizador en una particular tradición a lo Kurosawa que mezcla terror fantástico y thriller policíaco.

La película arranca con el asesinato de una mujer ahogada en un charco; ésta será la primera de muchas muertes provocadas por el mismo modus operandi. El problema surgirá cuando todas las pistas dirijan la atención al propio policía que investiga el caso.



Poco más puede decirse de la trama sin desvelar más de lo conveniente: nos limitaremos a señalar que, de nuevo, Kurosawa utiliza los estilemas de los géneros (aquí, como ya señalamos, los del cine negro y el terror en su vertiente nipona) para ofrecer una mirada lúgubre y desencantada de los fantasmas, no los reales sino los propios demonios, del sujeto individual y la sociedad donde este se mueve.

The Marquis: el infierno son los otros

The Marquis es la clase de material que se publicaría en la editorial Valdemar de ser una novela y no un cómic: estamos ante un espléndido ejemplo de ficción gótica, con una trama ambientada en una ciudad ficticia en un tiempo indeterminado, y donde los transeúntes portan máscaras de carnaval y se dirigen continuamente al "Confesionario" para expiar unos pecados que no cesan de cometer una vez perdonados.



En este ámbito, el protagonista, Vol de Galle, disfrazado de su alter ego el Marquis, y creyéndose un enviado de los santos, persigue y da muerte a unos demonios que, como le ocurre a veces al John Constantine de Hellblazer, sólo ve él, y que se mueven entre la gente con apariencia humana.

En este mundo, controlado por la Iglesia con mano férrea, destacan dos personajes: el General Herzoge, militar con un código de honor estricto que se convierte en la némesis del Marquis; y el Gran Inquisidor de Morsea, superior del anterior y verdadero villano de la función.

En sus páginas, Guy Davis, del que vale muy mucho la pena recuperar Honor entre punks (como esta que comentamos, publicado por Norma Editorial), reflexiona acerca de los pecados y de las voluntades que los conducen, a la vez que nos ofrece un mundo donde el lector no deja de preguntarse constantemente si el protagonista es un héroe, o un bien un loco que sufre de visiones alucinatorias. ¿O quizás no será ambas cosas a un tiempo?



En estas visiones, la influencia de Lovecraft es indiscutible: Davis se atreve a mostrar monstruos que muy bien pudieran ser las inmostrables abominaciones surgidas de la calenturienta mente del genio de Providence. Pero no hay que olvidar otras influencias visuales, como las criaturas diseñadas por H. R. Giger y el dibujante de cómics Mike Ploog para Alien, el 8º pasajero y La Cosa respectivamente.

Así pues, The Marquis es un magnífico cómic de terror, qué satisfará sin duda a los amantes del género en su vertiente gótica, y cuyo mayor aliciente es la ambigüedad de la que hace gala a la hora de dibujar a su protagonista y el mundo que le rodea.


Título: The Marquis
Autor: Guy Davis (guión y dibujo)
Editorial: Norma Editorial
Fecha de edición: septiembre de 2006
296 páginas (b/n) - 18 €

Sitges (IX): Black Book

Tras su largo periplo en la industria hollywoodiense (largo en años más que en títulos), Paul Verhoeven vuelve al cine holandés por la puerta grande: Black Book es el título internacional de su Zwartboek, una cinta histórica sobre la resistencia holandesa durante el régimen fascista de Hitler.



La película, protagonizada por una joven holandesa que se ve obligada por las circunstancias a trabajar dentro de la organización de las SS como agente para la resistencia de su país, nace con la vocación de convertirse en un clásico, y probablemente lo consiga, pues lo tiene todo para gustar: épica, romance, humor, acción y otros muchos elementos propios de los clásicos de cualquier arte narrativa.

Verhoeven, según manifestó en la rueda de prensa, ha utilizado material de investigación de hace más de veinte años, recopilado para su Eric, oficial de la Reina, pero que quedó fuera por el carácter patriótico de la cinta protagonizada por Rutger Hauer. Ahora, con Black Book, se ha atrevido a mostrar también el lado más oscuro de los héroes holandeses que se enfrentaron al nazismo.



El tiempo ha pasado, pero Verhoeven no ha olvidado su manera de ver las cosas, y hay en la historia tanta crudeza (conceptual y gráfica) como en sus mejores títulos. De ahí que pueda considerarse que Black Book es a las películas bélicas sobre el nazismo lo que Los señores del acero fue a las cintas de aventuras medievales: una odisea de carne y sangre.

Finalmente, destacar que su película nos descubre a una gran actriz, Carice van Houten, en el papel protagonista. Esperemos verla más a menudo en la pantalla grande, que llena con su presencia aparentemente sin mucho esfuerzo.